el nacimiento de venus

EL NACIMIENTO DE VENUS ( 1485 )

Nombre del artista: Sandro di Mariano Filipepi, conocido como Botticelli

http://es.wikipedia.org/wiki/Sandro_Botticelli

Nacionalidad del artista: Italiano

Tipo de pintura:  tempera

Dónde puedo ver esta obra: Galeria Uffizi, Florencia, Italia

Quién es Botticelli?

El verdadero nombre de este artista era Alessandro di Mariano Filipepi. A lo mismo que sus hermanos se los apodaba como Boticcelli, lo que significaba “pequeños barriles” en Italiano, después de  su hermano mayor, quien fue un exitoso hombre de negocios en la venta de barriles. Su apodo casi ciertamente aludió a su riqueza más que su estatura.

Sandro Botticelli fue el principal pintor italiano en Florencia en la segunda mitad del siglo 15. Su estilo era muy refinado y femenino. Sus principales patrones fueron la dinastía Medici para quien este artista realizó muchas obras como retablos, porta retratos, alegorías y banderas.

Porqué es tan famosa esta pintura?

Esta obra fue la primera pintura hecha en gran escala en el tiempo del renacimiento con un motivo exclusivamente secular y mitológico. Esta es considerada una de las pinturas mas famosas en la historia del arte. Celebra la idea fundamental de la apariencia de la belleza en la tierra. Aqui encontramos representados los tres elementos esenciales de la materia: aire, tierra y agua.

El nacimiento de Venus  retrata uno de los más pintorescos  mitos clásicos que nos transporta en un mundo de sueños y poesía. Antiguamente el único cuerpo desnudo femenino pintado por muchos artistas había sido EVA. Sus típicas escenas incluían la famosa serpiente que la tentaba o expulsaba del paraíso por desobedecer a Dios. Su desnudo se asociaba mas a un acto de vergüenza del pecado original.  En El nacimiento de Venus, por primera vez, se muestra lo opuesto. Venus se encuentra radiante y su imagen esta llena de vitalidad. Boticcelli  invita  a sus espectadores a considerar una armonía entre la mente y el cuerpo.

Les describo esta escena….

Aqui vemos una Diosa Venus transportada sobre las aguas en una concha gigantesca. Venus se encuentra en el centro, a su derecha una pareja formada por Céfiro y  su consorte Cloris.  A su izquierda se encuentra la Hora Primavera. Observamos como desembarca en la playa de una de las islas Chipre, Pafos o Citerea donde hay un naranjal mientras una lluvia de rosas caen a su alrededor y es empujada por el soplo de los dioses.
El nacimiento de esta Diosa representa el alma en el camino de la encarnación de los reinos espirituales.  Venus montando una concha representa el acto mismo de la encarnación y esperar ser cubierta por una túnica roja simboliza que obtendrá un cuerpo material. En pocas palabras, el nacimiento de Venus alegóricamente ilustra el misterio de nuestro nacimiento. El renacimiento a la vida por el Bautismo del cristiano.

Quiénes son cada personaje y qué simbolizan?

• VENUS : Venus es su nombre romano; los griegos la llamaban Aphrodita. Ella es la diosa del amor, belleza, risa y matrimonio. Venus trae belleza al mundo y por lo tanto los que aman la belleza persiguen valores que son elevados e incluso celestiales. Una de las mas importantes diosas de la antigüedad.
• CEFIRO:  también conocido como el hijo de Aurora ( el alba ) es el Viento del Oeste.
• CLORIS: Ella era la ninfa de la brisa, consorte de Céfiro. Su nombre tambien significa pálido. Los romanos la apodaron Flora, pero tambien la han identificado con Aura, diosa de la brisa.
• PRIMAVERA: una de las diosas de las estaciones. La estación del renacer.

VENUS:

Quién era la modelo de Venus?

Simoneta Vespucci  fue una musa italiana del renacimiento, esposa de Marco Vespucci de Florencia, familiar de Américo Vespucio. Pintada por Botticelli en varias ocasiones, fue  la familia Vespucci que la dió a conocer al mundo. Muchos pintores en Florenica quedaron locos con ella y desearon usarla como modelo. Entre éstos, los hermanos Lorenzo y Giuliano, de la familia de los gobernantes Medici.

• En mitología, Venus-Afrodita nació de la espuma de mar. La teología romana presenta a Venus como el principio de rendimiento, esencial para la generación y el equilibrio de la vida. Ella puede dar la victoria militar, el éxito sexual, la buena fortuna y prosperidad.
• Venus se encuentra en la pose llamada contrapuesto ( contrapposto ) que es mucho mas elegante que si la modelo estuviera parada con ambos pies juntos y derechos en el suelo.
• La pose de la Venus de Botticelli es una reminiscencia de una Venusde la colección Medici. Una escultura de mármol de la antigüedad clásica  que Botticelli tuvo oportunidad de estudiar. En ambas obras , Venus oculta sus senos y la zona genital con sus brazos.

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• En El Nacimiento de Venus, ella no cubre mas de lo que cubriría un pequeño bikini. Sin embargo, el movimiento de su brazo le trae a la vida y permite que el artista ponga sus manos en una posición realista.

• De ojos sonadores y tímidos mirando hacia ningún lugar en particular.
• Su mente está en otro lado como si recordara el lugar lejano de donde proviene.
• Completamente desnuda porque acaba de nacer. Este es un nacimiento inusual porque es el nacimiento de una diosa. Según la leyenda Venus ya era una adulto cuando nació.
• Venus casi siempre es mostrada desnuda porque ella es un ser sobrenatural. Nada puede afectar ni lastimarla como lo haría el frío o alguna otra cosa a un ser humano.
• Boticelli quiso mostrarnos en la expresión soñadora de Venus que no basta con reconocer cuan hermosa era sino que también tenemos que entender que su belleza viene de otro mundo. Un mundo que no podemos conocer o entender, donde todo debe ser perfecto como lo es ella.

Qué significa la inmensa concha en la que descansa Venus?

Los caracoles han sido siempre considerandos como símbolos de la fertilidad femenina. El dorso de la cáscara se asemeja a un vientre de embarazada, y la parte inferior de la cáscara se asemeja a una vulva. La concha, como símbolo de Venus, significa el renacer de una persona, su resurrección; es decir,la “muerte” o superación del “ego”(egoísmo y egocentrismo) para dar paso al “auténtico yo” (sencillo y humilde).

Esta gran concha es conocida como La Concha del peregrino porque en la Edad Media, una  de las peregrinaciones cristianas más importantes era la que se realizó al el santuario del apóstol Santiago de Compostela, en España. A partir de aquí se desarrollaron una de las leyendas donde se sostiene que la ruta del  Camino de Santiago era una especie de encuentro con sus orígenes, imprescindible en el ser humano para su propia supervivencia. La ruta tenía ya un significado devoto y penitencial, en cierta manera un encuentro cotidiano con Tierra Sagrada.

Según la leyenda, el apóstol Santiago El Mayor (muerto en Jerusalén en el 44 DC) fue enterrado allí.  La concha es el símbolo  de la dirección del camino de Santiago a su paso por la ciudad de León. Este  peregrino también llevó  una concha  con él en su vestimenta. Por esta razón,se convirtió en costumbre que los peregrinos, que caminaban por varios días y horas, recogían a su paso las conchas de la orilla del mar para demostrar que no habían renunciado a lo largo del camino. Ahí es donde viene el nombre de concha de Santiago ( concha del peregrino).

Una versión alternativa de la leyenda sostiene que, si bien los restos del apóstol Santiago estaban siendo transportados a Galicia (España) de Jerusalén, el caballo de un caballero cayó al agua, y emergió cubierto en conchas.

CEFIRO y CLORIS:

A la izquierda del cuadro observamos los primeros dos personajes de esta obra. Cefiro es conocido como el Viento del Oeste. El es la suave brisa de la primavera que impulsa a Venus a la orilla. Aqui lo vemos entrelazado con la diosa Cloris a quien la había secuestrado. Ellos simbolizan la unión de la materia y del espiritu.

Cómo la secuestró a Cloris?

La ninfa Cloris fue secuestrada por Céfiro en el jardín de las Hesperides. Céfiro se enamoró de su victima y ella consintió convertirse en su esposa. De esta manera la ninfa subió su rango a diosa. Asi fué como esta nueva diosa sostenía el perpetuo dominio sobre las flores.

Qué significaban las rosas?

De acuerdo a la mitología antigua , la rosa fue creada al mismo tiempo que  el nacimiento de la diosa del amor. La rosa con su exquisita fragancia y belleza, es el símbolo del amor. Sus espinas nos recuerdan que  el amor puede ser doloroso.

Porqué esta pareja tiene diferentes colores de piel?

Primero les comento que esta no es una pintura cristiana, por lo tanto no existen ángeles. Esta pareja tienen alas porque viven en el cielo.  Boticcelli  quiso  diferenciar  dos tipos de vientos de diferente fortaleza. Por esta razón, los pintó como un hombre y una mujer. Tradicionalmente las figuras masculinas se pintaban con una piel mate más oscura como si hubieran sido bronceadas por el sol. Las mujeres se mostraban usualmente con una piel mas clara como si siempre se protegían del sol. Asi es como aparecen mas suaves, delicadas y frágiles.

Cómo definían su fortaleza?

Como ellos son conocidos como los Vientos, se encuentran soplando hacia Venus para que ella pueda llegar a la orilla. Los soplos de aire dibujados por Boticelli eran lineas blancas mas marcadas. Un soplo de aire más fuerte para Céfiro que para Cloris. El soplo de Céfiro alcanza a levantar el pelo de Venus y la túnica roja  que trae una de las Horas.

 HORA PRIMAVERA:

• Ella era una de las tres gracias, que eran las tradicionales compañeras de Venus. En su vestimenta asi como en la túnica que trae se encuentran dibujadas muchas flores primaverales porque  Venus nació en la primavera.
• Esta Hora se encuentra en las puntas de sus dedos de los pies, para no perderse la llegada de Venus. Con su brazo levantado y  lista para poner la capa sobre sus hombros.
• Su traje es blanco y está bordado de acianos**.  Un cinturón de rosas ( la flor de Venus ) rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de  mirto *** ( la planta de Venus ). Entre sus pies florece una anémona azul **** que refuerza la idea de la llegada de la primavera.

Para terminar, observemos las olas del mar…..

En esta pintura no podemos esperar que  la naturaleza sea el tema principal porque  Boticelli no necesitaba hacer una fiel replica del mar. Aprovechando la necesidad de imitar unas olas reales, fue creando un patrón de V formas. Todas ellas muy  estilizadas que a medida que se alejaban en la distancia, se reducían en tamaño y al acercarse a los pies de la concha cambiaban su forma.

Una mirada general del cuadro nos muestra….

Toda la pintura esta bañada por un resplandor dorado que muestra un mundo transformado por la belleza de Venus. Todo el cuadro fue pintado usando colores claros y suaves.  La piel de Venus es muy parecida al color de las perlas. Aqui Venus aparece como una estatua hecha de puro mármol mas que de carne.

La parte derecha del cuadro es mas oscura pero todo sugiere que la presencia de Venus hará que esa sombras desaparezcan.

Vocabulario:

púdica: En latín significa casta, virtuosa y modesta

acianos: El aciano o azulejo (Centaurea cyanus) es una planta hernacea anual o bienal de la familia de las asteraceas.

mirto: Flores axilares, blancas, fragantes y muy olorosas .Se cultiva desde la antigüedad por sus flores y sus hojas aromáticas y se la consideraba el símbolo del amor y la belleza.

anémonas: Son animales sésiles que se fijan al substrato marino, ya sea la arena del fondo.

el beso

Una obra maestra de la época moderna, El beso de Gustav Klimt es un engañosamente simple retrato sobre la lujuria y el amor.

Pero más allá de la brillante pátina dorada, la obra está llena de fascinantes datos.

1. La carrera de Klimt estaba en decadencia cuando pintó El beso. 

Antes de crear esta pieza, Klimt había recibido mordaces burlas en la primera década del siglo XX por sus pinturas en el techo de la Universidad de Viena. Debido a los desnudos de estas obras, sus interpretaciónes de la Filosofía, la Medicina y la Jurisprudencia fueron ridiculizadas como "pornográficas" y "excesivamente pervertidas", hiriendo a su reputación.

2. Klimt creó su más famosa obra en un momento de pánico creativo.

En 1907, tal vez para recuperarse de la mala recepción de sus frescos de Viena, Klimt pintaba con furia, pero dudaba de su trabajo. Confesó en una carta: "O soy demasiado viejo, o demasiado nervioso o demasiado estúpido, algo debe estar mal". Pero al poco tiempo, comenzaría la pintura que sería su obra más popular.

3. El beso fue comprado antes de ser terminado.

En 1908, la Austrian Gallery muestra El beso por primera vez, a pesar de que Klimt aún no había  rematado el trabajo. Su estado inacabado no detuvo al Museo Belvedere (también conocido como Österreichische Galerie Belvedere) para añadirlo a su colección en el acto.

4. La venta de El Beso batió records.

¿Cómo se compra una obra de arte inacabada? Debes hacer una oferta que no pueda ser rechazada. Para adquirir esta trascendental obra de arte, el Belvedere pagó 25.000 coronas (o aproximadamente 240.000 dólares USA de la actualidad). Antes de esta gigantesca venta, el precio más alto pagado por una pintura en Austria era relativamente insignificante, unas 500 coronas.

5. Ese precio resultó ser una ganga.

Austria considera el beso un tesoro nacional, por lo que al museo vienés que ha sido durante mucho tiempo su casa nunca se le ocurriría venderlo. Sin embargo, si una transacción de este tipo llegara a suceder, se predice que El Beso batiría records de ventas de nuevo. Después de todo, el menos de renombrado (aunque también bastante famoso) Adele Bloch-Bauer, también de Klimt, fue vendido por 135 millones de dólares USA en 2006. El New York Times señaló en ese momento que se trataba de "la suma más alta jamás pagada por una pintura".

6. La pieza refleja un choque de estilos artísticos.

La pose de los amantes representados en El Beso refleja las formas naturales favoritas del movimiento Art Nouveau de Viena (Viena Jugendstil). Sin embargo las formas simples con  diseños llamativos de los mantos de la pareja muestran el impacto del movimiento Arts and Crafts, mientras que el uso de espirales se remonta al arte de la Edad de Bronce.

7. Es el primer ejemplo del "Periodo Dorado" de Klimt.

Inspirado por los mosaicos bizantinos que había visto en sus viajes, Klimt mezclaba pan de oro en sus pinturas al óleo para crear lo que se convertiría en su estilo característico.

8. El Beso fue el comienzo de uno de los temas principales de Klimt.

La obra del pintor se centró principalmente en las mujeres, por lo que la inclusión de un hombre (aunque fuera uno cuyo rostro está oculto) era inusual para Klimt. La modesta vestimenta de los protagonistas también marca este cuadro como una de las creaciones más conservadores de Klimt.

9. El Beso pudiera ser un autorretrato.

Algunos historiadores del arte han teorizado que los amantes no son otros que el pintor austríaco y su pareja de mucho tiempo, la diseñadora de moda Emilie Flöge, a la que había representado previamente en un retrato.

10. O la mujer podría se otra de sus recurrentes musas

Otros han postulado que la encantadora señora de El Beso en realidad era la dama de la alta sociedad Adele Bloch-Bauer, que había posado para un retrato del "Periodo Dorado" ese mismo año. Otros han sugerido el pelo rojo es un indicio de que es "Red Hilda", la modelo que Klimt empleó para Danae, Lady with Hat and Feather Boa, y Goldfish.

11. Es realmente grande.

El Beso mide 180 por 180 centímetros.

12. Su forma a menudo se modifica para el merchandising.

Mientras la composición original de Klimt es un cuadrado perfecto, la popularidad de la pintura estimuló innumerables reproducciones en carteles, postales y recuerdos varios. Pero estos recuerdos normalmente truncan los lados derecho e izquierdo de la pintura para crear un rectángulo más estándar de visualización.

13. El Beso es posiblemente blasfemo.

El uso de Klimt del dorado recuerda al tipo de arte religioso que se encuentra en las iglesias. Utilizar de pan de oro para celebrar los placeres terrenales y la sensualidad de la sexualidad fue considerado por algunos como blasfemo.

14. Klimt y El Beso fueron acuñados.

En 2003, Austria emitió una moneda conmemorativa de 100 euros que tenía un grabado de El Beso por un lado y un retrato de Klimt trabajando en su estudio en el otro.

15. El Beso nunca decepciona en persona.

Tal vez sea el gran tamaño. Tal vez sea el oro. Pero al volver a evaluar El Beso en el 150 aniversario del nacimiento de Klimt, el periodista Adrian Brijbassi escribió, "El beso de Gustav Klimt supera las expectativas, a diferencia de esa pequeña y decepcionante Mona Lisa".

Después de arrojar la sombra sobre la más famosa pintura, Brijbassi explicó, "[El Beso] hace lo que se supone que una gran obra de arte debe hacer: Mantener tu mirada, hacer que admires sus cualidades estéticas al tratar de discernir lo que está más allá de sus aspectos superficiales".

Pablo Picasso

(Pablo Ruiz Picasso; Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Pintor español. La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del cubismo, revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la representación tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad del artista contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus obras maestras, el Guernica (1937), es la mejor ilustración de su condición de artista comprometido.

Pablo Picasso

Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats. Entre 1901 y 1904, Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entraba en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena.

En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y con el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa (período rosa). Al poco de llegar a París entró en contacto con personalidades periféricas del mundillo artístico y bohemio, como los estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería ya para siempre su marchante, Daniel-Henry Kahnweiler.

A finales de 1906, Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados de El Greco yCézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen. Las tramas geométricas eliminan la profundidad espacial e introducen el tiempo como dimensión al simultanear diversos puntos de vista: era el inicio del cubismo.

Les demoiselles d'Avignon (1907)
y detalle de Guernica (1937)

Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica (1909-1912). En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.

Entre 1915 y mediados de la década de 1920, Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado. En 1935 nació su hija Maya, fruto de una nueva relación sentimental con Marie-Therèse Walter, con quien Pablo Picasso convivió abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron compartir al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar.

El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más universalmente admiradas, el mural de gran tamaño Guernica (1937). La reducción al mínimo del cromatismo, el descoyuntamiento de las figuras y su desgarrador simbolismo conforman una impresionante denuncia del bombardeo de la aviación alemana, que el 26 de abril de 1937 arrasó esta población vasca en una acción de apoyo a las tropas franquistas. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde, Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.

En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

las tres gracias

Las tres gracias

     Las tres gracias es una obra de Pedro Pablo Rubens, pintada al óleo sobre tabla en el siglo XVII. Pertenece a la etapa de la pintura barroca de la escuela flamenca. Actualmente la podemos encontrar en el Museo del Prado de Madrid.

     En la imagen aparecen las tres hijas de Zeus, Aglaya, Talía y Eufrosine, las tres gracias de la mitología griega. Se representan a dos de ellas de perfil y la del medio, de espaldas con la cabeza vuelta, estando las tres con el cuerpo desnudo. Simbolizan el amor, la belleza, la sexualidad y la fertilidad.

     El trío está enmarcado con un árbol a la izquierda que se tuerce y quiebra con contraste cromático y el color de una gasa en la rama y a la derecha hay un cupido con una cornucopia dorada de la que cae agua y arriba del cuadro una guirnalda de flores. A esto se le une un gran colorido y luz, con un fondo en el que se representa un paisaje en el que hay una seria de animales.

     Las tres gracias están representadas con un peinado de la época, desnudas y reunidas, pero conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente y las miradas, parecen iniciar una danza al tener todas una actitud delicada y un pie retrasado. Se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos.

     La composición es elegante y las carnaciones claras irradian luz a la obra, con seguida con la fusión de los tres colores primarios. El colorido es muy brillante y predomina el color sobre el dibujo. Hay movimiento en los escorzos y posturas de ellas, además del círculo que forman. 

     Se dice que Rubens pintó el retrato de su segunda mujer Helena Fourment, o variaciones del rostro de su esposa Isabella Brant. Otros dicen que aparece el rostro de las dos, siendo el de Helena la mujer más rubia que se sitúa a la izquierda del cuadro, y el de Isabella, el que aparece más a la derecha del cuadro.

     La originalidad de los primitivos flamencos se perdió en el siglo XVI por la influencia italiana, pero en el XVII Rubens otorga de nuevo un carácter peculiar a la pintura flamenca. El catolicismo imperante en la zona contribuyó a mantener la importancia de los temas religiosos, pero estos no se caracterizan por la emoción, sino que la pintura de Flandes destaca por su optimismo y carácter alegre, inclinada a los aspectos más placenteros de la vida. 

     El autor revela una evidente admiración por Tiziano en el desnudo femenino como podemos observar en esta obra. Otras obras del autor son: "El juicio de Paris" y "El descendimiento". Otros autores de la época son Rembrandt y Velázquez.

las meninas

Las Meninas

Estás ante uno de los cuadros más importantes de toda la historia del arte universal: Las Meninas de Diego Velázquez. Es una obra maestra a nivel pictórico y una muestra de la genialidad del pintor, pues se trata de un cuadro mucho más complejo de lo que parece a simple vista.

Vamos a fijarnos detenidamente en él y a descubrir por qué encierra una incógnita que a día de hoy, más de 350 años después de su creación, todavía no ha sido aclarada.

Si te parece, antes vamos a conocer algunos datos sobre el autor y su época.

¿En qué época nació Diego de Velázquez?

Diego Velázquez nació en la próspera ciudad de Sevilla (España) en 1599, justo cuando el siglo XVI estaba a punto de terminar. Su vida y su obra, por tanto, se desarrollaron en los primeros sesenta años del siglo XVII.

Así era Sevilla en tiempos de Velázquez

Cuando Velázquez vino al mundo, España era un poderoso imperio económico que atravesaba une época magnífica a nivel cultural. Durante estos años se produjo el auge del estilo Barroco y surgieron grandes figuras de la literatura, la poesía, la música, la pintura…  ¡Velázquez vivió de lleno el Siglo de Oro de las artes y las letras!

¿Cómo fue su vida?

Se sabe que comenzó su formación artística siendo un niño de diez años. Su gran maestro fue Francisco Pacheco, el pintor más prestigioso de Sevilla, quien le acogió en su casa y le admitió en su taller como aprendiz. Gracias a él, Velázquez aprendió muchísimas técnicas de pintura y empezó a codearse con gente culta e importante de la ciudad.

Posible autorretrato a la edad de 23 años, cuando viajó a Madrid

Ambos se apreciaban y se admiraban mutuamente, y cuando a los 18 años Velázquez obtuvo el título de maestro pintor, Pacheco consintió que se casara con su hija Juana. Al joven pintor  no le fue nada mal y nunca la faltaron clientes que le encargaran cuadros.

Felipe IV en armadura es uno de los muchos retratos que Velázquez hizo del rey de Espña

En 1621 subió al trono de EspañaFelipe IV y Velázquez pensó que era el momento de viajar a Madrid para probar suerte y subir un peldaño más en su carrera artística.

Con 22 años se plantó en la capital del reino para ver qué se cocía por allí y tuvo un gran golpe de suerte, porque poco tiempo después, le dieron la oportunidad de retratar al mismísimo rey.

Felipe IV quedó tan satisfecho y maravillado, que le ordenó trasladarse al palacio real y le nombró pintor de cámara.

¡Para el joven Velázquez tuvo que ser uno de los mejores días de su vida! Ser pintor de cámara significaba convertirse no sólo en el pintor de la familia real y de la corte, sino en el encargado de hacer grandes obras pictóricas para decorar los palacios, pabellones de caza y otras posesiones de la realeza.

Real Alcázar de Madrid en el siglo XVII

A partir de entonces su vida transcurrió entre los reyes y la gente más influyente del país. Instaló su taller dentro del Alcázar Real y su prestigio como pintor fue en ascenso.  Con los años, fue distinguido con otros cargos que en aquella época suponían un gran honor, como el de criado personal del rey o supervisor de las reformas que se hacían en palacio.

Sólo había una pequeña pega: a veces no podía pintar todo lo que quería porque tenía que hacer un montón de tareas que le ocupaban mucho tiempo.

Al final de su vida, consiguió su mayor deseo: que le nombraran caballero de la elitista Orden de Santiago.

La obra de Velázquez

Desde muy joven demostró un enorme talento. Observa Vieja friendo huevos, que pintó a la edad de 19 años en Sevilla. En él se aprecia que es un gran retratista y que sabe plasmar de forma genial las calidades y texturas de los objetos (la clara del huevo, la piel rugosa del melón, los metales)…

Por esta época utilizaba la técnica del claroscuro, que consiste en iluminar a las figuras principales del cuadro como si tuvieran un potente foco frente a ellos, dejando el fondo sumido en la oscuridad.

Vieja friendo huevos, obra maestra de Diego Velázquez realizada a los 18 años.

Ya en Madrid, su privilegiada vida en la corte le permitió conocer a fondo las fantásticas colecciones de pintura que atesoraban los reyes y su visión artística empezó a ampliarse. Contemplar obras maestras de otros artistas, sobre todo de su adorado Tiziano, le hizo evolucionar: poco a poco, fue abandonando el tenebrismo de sus primeras obras, como puedes ver  en El triunfo de Baco.

El triunfo de Baco, obra también conocida como Los Borrachos (1628)

¡Ser el pintor más importante de palacio tenía muchísimas ventajas!: cobraba un buen sueldo, le pagaban bien sus cuadros y pudo conocer en persona a grandes pintores,  como  Rubens.

Además, tuvo la oportunidad de viajar a Italia un par de veces para estudiar de cerca la pintura italiana del momento y cómo no, el arte clásico. Cuanto más se empapaba de todo ello su técnica mejoraba, creando obras como La fragua de Vulcano, cada vez más luminosas y de pinceladas más ligeras.

La fragua de Vulcano (1630)

Esta evolución fue imparable hasta el final de sus días. Velázquez retrató durante años a los reyes, a personajes de la corte como bufones y enanos, pintó cuadros de batallas…  Su estilo es cada vez más delicado, los colores más claros y la forma de pintar más libre.

Su mayor preocupación era representar la luz de la forma más natural posible, como ves en La Rendición de Breda, también conocido como Las Lanzas.

La rendición de Breda también conocido como Las lanzas (1634)

Al final de su vida realizó sus dos grandes obras: Las Hilanderas y Las Meninas. En ambos  demuestra total maestría en el manejo del pincel, todos sus conocimientos de perspectiva y profundidad, y un dominio absoluto e inigualable de la luz.

Las Hilanderas (1657)

¿Por qué es tan importante Las Meninas?

Velázquez pintó Las Meninas  en 1656, cuatro años antes de su muerte. Tenía 57 años.

En esta obra volcó toda su sabiduría, fruto de muchos años de observación, práctica y estudio.

Consiguió adelantarse a su época en la manera de pintar, ya que logró trasmitir realismo con pocos colores y pocas pinceladas. Puedes verlo en el adorno del vestido de la infanta Margarita ¿A que de cerca parece un borrón hecho deprisa y corriendo?

En cierto modo, ya usaba la técnica que a fines del siglo XIX, adoptarán los pintores impresionistas (Pincha para ver un ejemplo: Moulin de la Galette).

Detalle de la infanta Margarita.

Respecto a la profundidad  y a la manera de iluminar el cuadro, consigue crear una atmósfera que difumina los contornos y hace que los colores sean más apagados y menos nítidos cuanto  más lejos están las figuras ¡Da la sensación de que el aire de la sala casi se puede tocar!

Este método para crear sensación de profundidad se conoce como perspectiva aérea y Velázquez fue el maestro indiscutible.

¿Qué nos cuenta Las Meninas?

Las Meninas

La obra representa un momento de la vida en palacio.

En el centro aparece la infanta Margarita, a la edad de cinco años, rodeada de un grupo de sirvientes. A cada lado, hay una doncella. Estas muchachas, que debían acompañarla y atenderla, eran conocidas como meninas y de ahí el nombre del cuadro.

A la derecha vemos  dos enanos, uno de ellos jugando con un perro mastín, y a otros servidores de la corte: dos que están charlando y uno al fondo que parece abrir una puerta. Y por supuesto, distinguimos a Velázquez, que  se representa a sí mismo trabajando en un enorme lienzo con la paleta y el pincel en las manos.

¿Dónde está la incógnita del cuadro de las Meninas?

Si a nivel técnico es una genialidad, el argumento  es apasionante.  El cuadro encierra muchos misterios, pero vamos a centrarnos en la incógnita principal que durante años ha traído de cabeza no sólo a los estudiosos del arte, sino a todos los que nos paramos a contemplarlo.

Obsérvalo durante un rato ¿No te da la sensación de que algunos personajes traspasan el cuadro con la mirada, hacia afuera, donde estás tú? Es como si hubiera sucedido algo frente a ellos que llama su atención, pero ¿qué puede ser?… ¡Ahí está el quid de la cuestión!

Para entender algo más, tienes que buscar a los padres de Margarita dentro del cuadro. Son los reyes Felipe IV y Mariana de Austria.

¡Ah! ¿Que no los ves? Pues te aseguro que están ahí. Tómate el tiempo necesario para encontrarlos.

¡Claro, son las figuras que aparecen difuminadas en el espejo del fondo! Velázquez no los pinta junto a los demás personajes, sino  reflejados en un espejo.

Ahora, mira el cuadro de nuevo y piensa: si los reyes no están en la sala pero se reflejan en el espejo… ¿Dónde están los reyes? ¿Crees que están en el lugar del espectador, es decir, donde estás tú?

Las Meninas

Si crees que sí, la historia podría ser algo parecido a esto:

Velázquez está un día cualquiera trabajando en palacio. No sabemos qué cuadro pinta, porque no lo vemos. Por allí está la infanta Margarita acompañada de su séquito, cuando de repente, los reyes entran por sorpresa en la sala. Algunos se dan cuenta y levantan la mirada. Se supone que los reyes están donde estás tú como espectador y por eso se reflejan en el espejo del fondo ¿Lo ves?

Velázquez incluye a los reyes en el cuadro de una manera muy ingeniosa: nos hace saber que están ahí, en la sala con los demás, aunque no los veamos en la escena.

Pero claro, también hay otra opción. Observa la imagen de nuevo.

¿Y si los reyes no acaban de entrar, sino que han estado posando para el pintor?

Las Meninas

Veamos esta posibilidad:

Imagina que los reyes están sentados porque Velázquez les está haciendo un retrato. Su hija ha decidido bajar a la sala a ver cómo va la cosa junto al resto de acompañantes. De repente, el rey y la reina deciden que ha llegado la hora de irse y que ya seguirán posando otro día. Se levantan de sus asientos y al ponerse de pie, el espejo de fondo capta su imagen. Velázquez deja de pintar y les mira, al igual que la infanta Margarita y otros sirvientes.

Si esto fuese así, hay un misterio que quedaría resuelto ¿Sabes cuál?… ¡Claro! Sabríamos qué cuadro está pintando Velázquez: ¡el retrato de los reyes!

Según cómo interpretemos lo que sucede, desvelamos cosas del cuadro que en realidad no vemos ¿No te parece magistral?

Por si esto fuera poco, hay todavía más alternativas, como puedes ver en el dibujo superior: que el espejo no refleje la imagen de los reyes, ni entrando ni levantándose después de posar, porque… ¿Y si lo que refleja es lo que Velázquez está pintando?

En realidad, nosotros sólo vemos la parte de atrás del cuadro, el bastidor, pero si te fijas, está girado hacia el espejo ¡Quizá Velázquez está pintando a los reyes y es el lienzo lo que se refleja!

Hay quien riza el rizo y opina que se retrata a sí mismo pintando Las Meninas y en ese momento aparecen los reyes. Aunque no lo veamos, serían Las Meninas dentro de Las Meninas.

Y tú… ¿Cuál crees que es la solución a esta gran incógnita? ¿Cuál es la que te convence más?

Velázquez nos introduce en la pintura y nos invita a jugar, a pensar, a descifrar lo que está sucediendo justo en ese momento congelado en el tiempo.

La genialidad del genio

Quizá te haya resultado un poco complicado, pero espero que haya servido para despertar tu curiosidad y apreciar un poco más la grandeza de esta obra en la que Velázquez quiso dejar clarísimo que era un genio en todos los sentidos.

Para terminar, aquí tienes un precioso vídeo, cortito pero muy interesante, en el que los personajes del cuadro cobran vida ¡Espero que te guste!